Arte Griego

Historia del Arte

INTRODUCCIÓN

ARTE GRIEGO

UBICACIÓN GEOGRÁFICA

Grecia está situada en la península de los Balcanes, en Europa meridional y es la que más se interna en el Mar Mediterráneo. El Monte Olimpo es la cumbre más alta y tiene 2986 m. La naturaleza montañosa de su territorio dio lugar a la creación de ciudades-estado como: Esparta, Atenas, Corinto, Tebas. El territorio griego está dividido en tres zonas: Grecia Continental, Grecia Insular y Grecia Peninsular.
Sus primitivos habitantes fueron los pelazgos, aunque ahora se afirma que fueron tres pueblos que se asentaron en la península Balcánica: los cretenses, los aqueos y los dorios.
A la Grecia clásica le antecedieron dos grandes culturas que fueron: la Minoica, establecida en Creta y Micénica, en el Peloponeso. La cultura griega se inicia hacia el tercer milenio a.C. y su máximo esplendor corresponde al periodo comprendido entre el 1700 y 1400 a.C., con dos ciudades-estado que son Atenas y España; en la primera triunfó la democracia y en la segunda, la aristocracia militar.

HISTORIA DE GRECIA

CIVILIZACIÓN MINOICA O CRETENSE:

Antes de la llegada de los pueblos dorios (primer milenio), existieron en Grecia dos civilizaciones: la civilización MINÓICA O CRETENSE, que toma su nombre del rey Minos, que gobernaba en Creta y que poesía un laberinto donde tenía encerrado un minotauro, al que Grecia debía pagar un tributo anual de diez doncellas. Esta civilización conocen la escritura.
Su economía está basada en el comercio y su organización social es una monarquía aristocrática de comerciantes. Construyen palacios (Knosos),con estructuras laberínticas adinteladas con soportes de columnas, y los decoran con pinturas geométricas‚ (espirales) y figurativas que representan animales marinos y juegos cortesanos (salto del toro) de influencia egipcia, pero con un gran cromatismo y vitalidad. Fabrican estatuillas llamadas "diosas de las serpientes".
Tienen su influencia durante el segundo milenio.

ARTE MINOICO

COLUMNA

ARTE MINOICO

KNOSOS

SALÓN

DEL

TRONO

ARTE MINOICO

PINTURA

KNOSOS

ARTE MINOICO

JUEGOS RITUALES KNOSOS

CIVILIZACIÓN MICÉNICA

Se desarrolla en el continente europeo.
Pueblo guerrero que basa su economía en la tierra, y del que se conservan tumbas (tesoro de Atreo), murallas que rodean las ciudades (Micenas y Tirinto), edificios de habitación como el mégaron, que dar lugar al templo griego, y joyas de orfebrería como vasos y máscaras funerarias ( máscara de Agamenón).

ARTE MICÉNICO

MASCARA DE AGAMENÓN

ARTE MICÉNICO

MASCARA DE AGAMENÓN

Arte Micénico

Tesoro de Atreo

CARACTERÍSTICAS DEL ARTE GRIEGO:

Es un arte que está de acuerdo con la realidad, o sea es realista.
Es un arte que se puede estudiar por los artistas, tanto en arquitectura como en escultura.
Vamos a ver en él supervivencias creto-micénicas, una influencia oriental en los primeros momentos pero, sobre todo, aportaciones propias.
El trabajo que se lleva a cabo, en arquitectura especialmente, es un trabajo en equipo dirigido por un maestro. Esto va a hacer que éste sea un arte de una gran perfección.
Es un arte muy influido por la filosofía y donde la religiosidad está regida por un politeísmo de dioses antropomorfos, entre los que destacan Zeus y Atenea. Esto da pie a una mitología muy representada en escultura.
Es importante el desarrollo de la polis o ciudad.

ARTES MAYORES

ARQUITECTURA
1. CARACTERÍSTICAS GENERALES

El Urbanismo: Las ciudades griegas estaban organizadas y diseñadas para el disfrute de sus habitantes. El arte ocupaba un lugar preferente en el bienestar ciudadano. En la polis podemos distinguir varias zonas:

LA ACRÓPOLIS, donde destaca el templo dedicado a la divinidad protectora de la polis.

EL ÁGORA, zona dedicada a la actividad pública, en la que se hallan los edificios oficiales (Stoa, Ceca, Bouleterión) y las construcciones recreativas (odeón, estadio, gimnasio, teatro) para el disfrute de los ciudadanos.

Ruinas del Ágora de Atenas

Las órdenes arquitectónicas:

En los templos griegos no hay dimensiones fijas, sino relaciones fijas de proporción entre las diferentes partes del edificio.
La búsqueda de la armonía visual del edificio, basada en la medida y la proporción, condujeron a los griegos a la creación del “ORDEN ARQUITECTÓNICO”.
Órden es la articulación de las partes fundamentales del edificio en una serie de elementos, dotados de función y formas determinados, unidos por reglas fijas de proporción
Cada órden consta de tres partes:

ÓRDEN DÓRICO:

Se va concretando en el curso del s.VII, en la Grecia continental, desde donde irradia a las colonias que se fundan entre la Magna Grecia y Sicilia.
Normalmente, los templos de este orden se asocian con los valores de austeridad, robustez, claridad y precisión.

TEMPLO DE HERA EN PAESTUM

ÉPOCA ARCAICA

SELINUNTE (SICILIA)

Templo

Ephestos

en Atenas

ÓRDEN JÓNICO:

Se origina también durante el S. VII en Asia Menor y en las islas del Egeo.
Más ligero, esbelto, elegante y decorativo que el dórico.
Metafóricamente recuerda la ornamentación, la belleza y proporciones del cuerpo femenino.
Anchura del fuste es la octava parte de su altura. Se añade la “basa ática” y capitel con volutas.

Erectión

TEMPLO DE ATENEA NIKÉ

ACRÓPOLIS DE ATENAS

Anchura del fuste es la octava parte de su altura.
Se añade la “basa ática” y capitel con volutas.

ÓRDEN CORINTIO:

Aparece durante la segunda mitad del S. V a.C. en el Peloponeso y conocerá su expansión en el período helenístico.
El Orden Corintio tiene basa y el fuste es muy esbelto. El capitel tiene pequeñas volutas, y entre ellas presenta hojas de acanto. Se acentúan los elementos decorativos en el friso y la cornisa.
El más ornamental de los cinco órdenes clásicos, desarrollado por los griegos en el siglo IV a. de C., pero empleado con mayor profusión en la arquitectura romana.
Similar en muchos aspectos al orden jónico, pero generalmente de proporciones mas estilizadas y caracterizado especialmente por un capitel en forma de campana profunda, decorado con hojas de acanto y un ábaco con lados cóncavos.
Fuste, basa y entablamento idénticos a los del orden Jónico.
Capitel de hojas de acanto y altura de la columna correspondiente a 10 veces el diámetro del fuste.
M

TEMPLO DE

ZEUS EN

OLIMPIA
etafóricamente recuerda a un cestillo en el que ha crecido una planta de Acanto. Relacionado con la esbeltez virginal de las doncellas.

PRINCIPALES MONUMENTOS ARQUITECTÓNICOS

LA ACRÓPOLIS

Conserva restos de templos jónicos y dóricos ya totalmente configurados.
Su origen está en época micénica, en la que estaba amurallada y tenía un claro sentido defensivo.
Resistió durante mucho tiempo, pero en el 480 a.C. fue destruida por los persas, acabando con las obras que ya se habían empezado.
En época de Pericles se reconstruye, convirtiéndose en santuario, aunque también había construcciones civiles.
Junto a otros arquitectos, destaca Fidias.
La acrópolis está amurallada y tiene una única puerta monumental al oeste, los propileos, aunque también había otras pequeñas puertas.

EL PARTENÓN:

Es uno de los templos dóricos que se conservan (447 - 432 a.C.)
Dimensiones: 30,88 x 69,50 m sobre el estilóbato. 10,43 m altura de una columna.
La construcción del monumento fue realizada en mármol blanco del monte Pentélico.
Los arquitectos encargados de la obra fueron Ictino y Calícrates y estuvieron bajo las órdenes del arquitecto y gran escultor ateniense Fidias, autor de la decoración escultórica y de la gran estatua criselefantina de Atenea.
El friso representa la batalla de Atenea y Poseidón.

ERECTEION

Templo compuesto, dedicado a tres dioses: Poseidón, Krekrops y Athenea. Su disposición
Es de planta rectangular, con un pórtico de órden jónico Hexástilo.

Destaca el pórtico de Las Cariátides.
Su constructor fue Mnesicles.

El TEMPLO DE ATHENEA NIKÉ.

Conmemora la victoria de los persas en la batalla de Salamina (448 a.C.)
Calícrates fue el que se encargó del proyecto que diseñó este templo del órden jónico.
En su interior hubo una imagen de Atenea personificada como Niké, diosa alada símbolo de las victorias navales que le cortaron las alas para que no pueda abandonar la ciudad.
El templo posee 8 metros de altura, además de columnas jónicas.
El friso del templo representa a Atenea, Zeus y Poseidón ayudando a los atenienses.

TEMPLO DE APHAIA EN EGINA

El Templo de Aphaia en Egina es uno de los templos mejor conservados de Grecia.
Responde al modelo del ideal clásico de canon dórico, hexástilo y períptero, que provoca una sensación de extraordinaria armonía.
Al interior, estaba dividido en tres naves, separadas por columnas superpuestas. Estaba dedicado a una diosa local, Aphaia, asociada con la Atenea griega. Destacan los frontones, culminación de la escultura en la primera época clásica y antesala del Estilo Severo.

TEMPLO DE SEGESTA EN SICILIA

Segesta es una ciudad desaparecida, ubicada en la actual isla de Sicilia, Italia.
Presenta características propias de las construcciones de orden dórico.
El monumento fue construido, entre los años 430 y 420, por el pueblo de los Élimos, quienes estaban establecidos en la isla en aquella época.
Es hexástilo, períptero y dórico, pero no se llegaron a hacer las estrías y los fustes son lisos.

OTRAS CONSTRUCCIONES DE LA ARQUITECTURA GRIEGA CLÁSICA:

LOS THOLOI

Son construcciones religiosas, no exactamente templos, pero su finalidad no está totalmente clara. Se solían construir en los grandes santuarios. Son circulares, se levantan sobre una krepis y tienen la cella cerrada con un muro con una sola puerta de entrada.
Tholos de Delfos: es quizá el mejor conservado, tiene una columnata dórica en el exterior y una columnata corintia en el interior.
Tholos de Olimpia: es más grande, pero no está bien conservado. Bajo el suelo hay una serie de anillos extraños como si por debajo de la ella hubiera habido otra construcción.

LA LINTERNA DE LISÍNCRATES:

La Linterna de Lisícrates fue levantada en la época de Alejandro (336-323 a. C.) en Atenas como homenaje al ganador de un concurso teatral.
Posee capiteles corintios.

TEATROS:

Estaban apoyados en las faldas de montañas o colinas aprovechando el desnivel del terreno, pero también hay zonas realizadas de fábrica.
Tienen una serie de partes fijas:
- Orkhestra: zona circular en la parte baja donde se colocaba el coro
- Skene: lugar delante del cual van a actuar los actores. Tiene columnatas y seguramente también tenían estancias en el interior
- Proskenion: a veces está delante de la escena, también en relación con los actores, donde esperan, donde actúan… Es posible que la parte baja fuera de piedra y la alta de otro material más endeble, por eso sólo conservamos las partes inferiores.
- Koilon: son las gradas, de forma semicircular. Las primeras filas estaban destinadas a los personajes más importantes y eran mucho más ricas, algunos asientos llegaban a ser verdaderos sillones, estaban realizados en mármol, solían llevar decoración y muy frecuentemente inscripciones.
- Parodo: pasillo y entrada para los espectadores, entre el proskenion y el koilon.

El teatro de Epidauro fue concebido por el arquitecto y escultor Policleto el Joven que lo situó a 500 m al sudeste del santuario de Asclepio, sobre un lugar que permitió adosar el koilon en el flanco de la colina.
El teatro y el santuario fueron saqueados en 267 por los hérulos, después en 395 por los godos de Alarico I. Sin embargo, los estragos quedaron limitados.
De todos los teatros antiguos, el teatro de Epidauro es el mejor conservado y está poco restaurado. La pinada con la que estaba recubierto consiguió que no fuera destruido.

TEMPLO DE ZEUS OLÍMPICO EN ATENAS

También conocido como “OLIMPEION”.
Localizado a unos 500 m al sureste de la Acrópolis de Atenas y a unos 700 m del centro de Atenas.

ALTAR DE ZEUS DE PÉRGAMO:

Construcción en mármol, cuyos fragmentos hallados en Pérgamo han permitido su reconstrucción en los Museos Estatales de Berlín.
Las dimensiones son de 36,44 x 34,20 m. Comenzado probablemente en 181 a. C.

LA TORRE DE LOS VIENTOS

La Torre de los Vientos es un edificio en forma de torre, de planta octogonal construido en mármol, sito en el ágora romana de Atenas.
Se trata de un Horologion o reloj.
Su constructor fue Andrónico de Cirro del siglo I a. C. (50 a. C.).
Sus dimensiones son 12 metros de altura y casi 8 metros de diámetro.

ESCULTURA
1. CARACTERÍSTICAS

Representa a dioses, diosas, héroes y personajes mitológicos con forma humana.
Busca siempre la perfección en las proporciones, la belleza y la serenidad (sofrosine).
Las esculturas griegas fueron realizadas en bronce y en mármol (los relieves), pero hoy sólo las conocemos a través de copias romanas en piedra.
610 - 480 aprox. a.C. El s. VI es el momento más significativo.
Posee tres periodos: Arcaico, Clásico y Post-Clásico o Helenístico.

PERIODO GEOMÉTRICO Y ORIENTALIZANTE

Fase geométrica: Entre los años 1000 - 750 a.C., período breve que nos va a dejar pocas aportaciones.
Fase orientalizante: Siglo VII - principios siglo VI.
El periodo geométrico y orientalizante del arte griego presenta vestigios esenciales de piezas de cerámica, decoradas con motivos geométricos (de allí su denominación), rectilíneos y curvilíneos. Avanzada esta etapa se introdujeron motivos humanos y animales.
Fruto de la colonización del Mediterráneo, el arte griego sufre transformaciones allá por al año 750 de este periodo, en el que se conoce como “oriental”, por el reemplazo de los motivos descriptos en las vasijas por propios de este arte (leones, esfinges, palmas, etc).
La escultura no es importante en este tiempo y poco se ha hallado de ella. La arquitectura es sencilla, pasando de chozas circulares a elipses de adobe y ripio, aunque tanto de éstas como de los templos sólo se han hallado cimientos. a.C.

PERIODO ARCAICO
1. CARACTERÍSTICAS

Problemas en la técnica, debido a desproporción, rigidez y frontalidad de la figura.
El interés se centró en el cuerpo humano perfecto.
Afición al desnudo.
El tema del atleta atrae al escultor.
Es realista y naturalista.

PRINCIPALES ESCULTURAS

CLEOBIS Y BITON

Son dos figuras exactamente iguales y de grandes dimensiones que se realizaron hacia el año 600.
Eran dos hermanos gemelos de la mitología que transportaron a su madre en un carro al santuario de Hera y la madre agradecida pidió a Hera la felicidad eterna para ellos y Hera lo que hace es darles el sueño eterno.
Llevan un pie adelantado, quizá por influencia egipcia, los puños cerrados, como es usual, la sonrisa poco marcada, la boca es casi lineal.

EL MOSCÓFORO

Realizado alrededor del 570 en mármol, esta figura supone una de las obras maestras de la escultura arcaica que permite ver la relación con lo anterior pero también con lo que vendrá.
Tiene una actitud de caminar, pero llevando en sus hombros a un ternero, probablemente para realizar una ofrenda. Ambas figuras están proporcionados.
La anatomía del joven está muy marcada, la sonrisa es muy convencional y los ojos probablemente estaban rellenos de otra materia. El pelo era muy semejante al de Cleobis y Biton, muy geometrizado. Aunque es una figura frontal, pierde algo de rigidez por la postura de los brazos, que están sujetando las patas del ternero. La anatomía de éste es muy realista.

EL JINETE O CABALLERO RAMPÍN

Es algo posterior, alrededor del 560, y es la primera escultura del mundo griego donde aparece un hombre a caballo.
Estaba fragmentada pero se reconstruyó; aún así está muy deteriorada.
Es posible que su autor sea el mismo que el de la Kore del Peplo.
Se busca un expresionismo, aunque resulta muy convencional.
Los ojos están bastante remarcados y oblicuos, probablemente estaban policromados.
El pelo es semejante a los anteriores y la barba es también muy minuciosa y geométrica.
También tiene la sonrisa arcaica.
Se pierde rigidez, ya que el cuerpo está ligeramente girado.

EL APOLO DE TENEA

Es algo anterior, pero también del s. VI, alrededor del 570.
Tiene las mismas características. Musculatura con una geometrización muy marcada en la parte del vientre y de las rodillas.
El cabello cae todo sobre la espalda y en vez de tirabuzones verticales se pueden ver ondulaciones horizontales.
Es la misma geometrización que en otras figuras pero con una menor minuciosidad.
La sonrisa arcaica está incluso más marcada.

KUROS DE ARISTODIKOS

Más tardía, alrededor del 500 a.C.
Se cree que tiene un carácter funerario y que representaría al muerto, Aristodikos.
Sigue la forma del kuroi, pero con un estudio anatómico mucho mejor, con una suavidad de las formas, una menor geometrización y rigidez, etc.
Los brazos también caen a ambos lados del cuerpo, pero están curvados y algo separados.
El pelo es corto y muy pegado a la cabeza, de manera que los rizos forman una especie de corona. Los ojos son menos oblicuos y la sonrisa menos marcada.

EFEBO DE KRITIOS

Supone el inicio de la época preclásica, se realizó hacia el 450.
Lo más novedoso es la postura, precedente del contraposto: dobla una rodilla para apoyar todo el peso del cuerpo en una sola pierna.
La anatomía es más realista, aunque el pelo sigue en la misma línea, con el pelo corto.
La cabeza no está totalmente recta, sino un poco girada y ligeramente inclinada hacia abajo.
Los ojos no son saltones ni oblicuos y estaban rellenos.
No tiene sonrisa.

LA KORE DEL PEPLO

Lleva un brazo junto al cuerpo y el otro adelantado, probablemente estaría sujetando una ofrenda.
La postura y el rostro están muy rígidos y tienen características similares a los kuroi de su época.
La ropa deja ver la anatomía, especialmente en la zona del pecho, pero predominan las líneas rectas y verticales.
Lleva el pelo recogido con una diadema ornamentada. Conserva restos de policromía y está realizada en mármol.

LOS TIRANICIDAS

Es el primer monumento público griego, fue colocado en el ágora de Atenas.
El original está perdido, sólo queda una copia romana ya que se la llevaron los persas.
Representa a Harmodios, el joven imberbe, y a Aristogeiton, el bárbado, que dieron muerte a un tirano entre el 476-4 a. C.,
Los autores de este grupo son Kritios y Nesiotes, su ayudante.
Las figuras tienen actitud triunfal y mantienen posturas distintas y complementarias: Harmodios está inclinado hacia atrás con las piernas abiertas y un brazo hacia arriba y hacia atrás.
Aristogeiton está movido hacia delante, con las piernas también separadas pero con una de ellas inclinada y el brazo hacia delante.
Las cabezas son similares a la del Efebo de Kritios y al auriga de Delfos.
Aristogeiton lleva una tela en el brazo, quizá para ver el contraste entre la tela y la anatomía.
También hay un contraste en las cabezas, uno imberbe y otro barbado.
Ambas figuras descargan bien el peso, ya no tienen los pies fijados al suelo.

EL AURIGA DE DELFOS

Se realizó en el año 474 a.C. y no se sabe su autor, se cree que fue Pitágoras de Región.
Es la única escultura conservada en bronce hueco, es el original.
Es lo que queda de un monumento también público mandado por un hombre que ganó una carrera de caballos.
Es desproporcionado porque es muy alto.
Esta verticalidad está contrastada por los pliegues de la parte superior.
En los hombros hay más pliegues.
Los brazos están hacia delante, en actitud de sujetar las riendas.
La cabeza se mantiene muy serena.
Se conserva el relleno de los ojos y la plata de la boca.
El pelo tiene rizos suaves y una diadema muy bien anudada, deja la nuca sin pelo.

HERA DE SAMOS

Está realizada en mármol, le falta la cabeza, y es mucho más estilizada.
Muestra un especial cuidado en el ropaje.
Los pliegues son muy menudos y verticales, se estrecha hacia la parte inferior.
El manto tiene pliegues diagonales.
La anatomía está muy ligeramente marcada.

PERIODO CLÁSICO
1. CARACTERÍSTICAS

Se desarrolló en el siglo V a.C.
Destaca el maestro Mircón, que se obsecionó con el movimiento y esculpió dos grandes obras: El discóbolo y El Grupo de Atenea Marsias.
Otro gran escultor fue Policleto, quien hizo el Doríforo, que representa a un atleta portando una lanza.
Fidias decora el Partenón.

OBRAS DEL ESCULTOR MIRÓN

Mirón realizó su obra entre el periodo anterior y éste, en la primera mitad del s.V. Trabajó principalmente el bronce.
Se ha conservado poco y siempre por reproducciones romanas o más pequeñas y también por referencias.
Se sabe que hizo figuras femeninas, probablemente Atenea y Hera.

EL DISCÓBOLO

Hay distintas copias, en mármol, aunque en su origen era de bronce.
Refleja la preocupación de Mirón por el movimiento, por el estudio de la anatomía y por reflejar la realidad.
Representa el momento en el que el atleta va a lanzar el disco, por ello todo el cuerpo está en tensión.
La cabeza no se acaba de corresponder con el cuerpo, ya que está demasiado tranquilo, concentrado, pero sereno.
Además, mientras el cuerpo ya es de un estilo clásico, la cabeza se acerca más a la del auriga, no marca volumen.
La musculatura está bastante marcada, aunque todavía resulta algo plana.
El cuerpo está realizando un giro muy violento y en él se contrapone la parte inferior con la superior.
Los brazos crean un semicírculo.

OBRA DEL ESCULTOR FIDIAS

Fidias vivió en el s.V a.C. Era ateniense y es, en Atenas, donde hizo la gran mayoría de sus obras, muchas veces por encargo de Pericles y en relación con la Acrópolis, como las tres Ateneas.
Maneja tanto el bronce como el mármol y también realiza algunas esculturas criselefantinas, de marfil y oro. Realizando una de éstas, la Atenea Parthenos, se le acusó de robo y se le expulsó temporalmente de Atenas.

ATENEA LEMNIAS

Es así llamada porque se realizó por encargo de Lemnos.
Es la Atenea dispensadora de paz.
Lleva el chitón y el peplos y encima la égida, de piel de cabra, a modo de coraza.
En la mano izquierda llevaba la lanza y en la derecha el casco corintio que no lleva en la cabeza porque es la dadora de paz.
Tiene la cabeza inclinada hacia abajo mirando el casco.
La cabeza se ha denominado como " la belleza" porque corresponde con el canon de belleza perfecta del siglo V.
El pelo tiene volumen y está sujeto con una cinta lisa y plana que marca un gran contraste con el volumen de sus rizos.

ATENEA PROMACHOS

Se conoce principalmente por representaciones en monedas.
Es la salvadora y guardiana de la ciudad.
Así, está representada como guerrera y tenía unos 15 metros de altura.
Estaba situada en la mitad de la acrópolis y llevaba la lanza en la mano y el casco sobre la cabeza.

ATENEA PARTHENOS

También se ha perdido, pero se la conoce por copias.
Tenía unos 12 metros de altura y se encontraba en el interior del Partenón.
Lleva la coraza sobre el pecho, una túnica hasta los pies y el casco sobre la cabeza con una triple cimera con una esfinge en el centro y dos caballos a los lados.
El cabello aparece por debajo.
Llevaba una victoria de tamaño natural en la mano.
El escudo que lleva en la mano izquierda mostraba la amazonomaquia en relieve en la parte delantera y la gigantomaquia pintada por la parte de atrás.
En la suela de los zapatos aparece representada la centauromaquia.

ZEUS

Se realizó para el templo de Apolo en Olimpia.
Es criselefantino, de oro y marfil.
Tenía grandes dimensiones, pero se ha perdido.
Estaba sentado con una victoria en la mano derecha y un cetro en la izquierda.

APOLO DE KASSEL O PARNOPIOS

Es una copia romana. Aparece Apolo de pie, apoyado en una pierna, mientras la otra permanece en descanso.
La colocación de los pies es muy novedosa: los tiene muy juntos, pero un poco separados.
Los brazos están separados y adelantados y probablemente llevaba algo, lo más posible es que en una mano llevara un arco y en la otra una rama.
La cabeza es muy novedosa, está girada e inclinada un poco hacia abajo y con un pelo cada vez más naturalista, con más volumen.

LOS RELIEVES DEL PARTENÓN

Fidias dirige la obra, que es lo que le da una cierta unidad, aunque hay diferencias de calidad en los distintos relieves.
Son los relieves que se encontraban en las metopas, en el friso corrido y en los frontones.

LAS METOPAS

Son 92 altorrelieves que representan las hazañas míticas del pueblo ateniense.
Las más interesantes son las centauromaquias.
Tienen seis principales características:

Son relieves de estilo ático: sobre un fondo liso se recortan las figuras de forma nítida.
Existe individualización en los rostros, quizá los más ricos son los de los centauros, que son retratos nobles, de algunos filósofos, quizás.
En ellas hay mucho movimiento.
Se trata de composiciones cerradas.
Hay un gran naturalismo tanto en la anatomía humana como en las partes animales y en el tratamiento de las telas, donde destaca el uso de la técnica de los paños mojados.
Se intentaba dar expresividad a los rostros, especialmente a los derrotados.
Representa la procesión de las Panateneas, en donde se conmemoraba la celebración de las jóvenes que estaban todo el año tejiendo en peplos de Atenea y se lo ofrecen a la diosa en medio de grandes fiestas.

OBRAS DEL ESCULTOR POLICLETO

Trabaja sobretodo el bronce.
Es el representante de la escuela de Argos.
No se conocen muchas obras pero todas son trascendentes.
Es totalmente distinto a Fidias en algún sentido ya que Policleto se interesa sobretodo por el estudio de la figura humana en distintas actitudes, pero siempre en calma, armonía, con proporción y equilibrio.
Policleto escribió un libro llamado "canon" en el que habla de las proporciones que debe tener una escultura.
Para él es importante la medida de cada parte, pero en relación con el conjunto.

EL DORÍFORO

También llamado "El Canon" porque es la escultura que mejor representa la armonía y proporción que buscaba Policleto.
Es llamado así porque es el portador de la lanza, se encuentra en actitud de marcha.
Hay quien dice que era Aquiles, pero en todo caso es un atleta.
Es el mejor ejemplo de otra de las características típicas de Policleto: el contraposto, que ya tuvo su antecedente en el s. VI con el Apolo de Kritios y que Policleto marcará mucho más.
El Doríforo mide poco más de siete cabezas y la cabeza está dividida en tres partes iguales: la frente, el espacio que hay de la frente a la nariz y el que hay de la nariz a la barbilla.
Hay una cierta geometrización.
Otra característica típica de Policleto es que marca mucho los pliegues torácicos y de las ingles, que forman segmentos casi semicirculares cuyo centro es el ombligo.
La cabeza está girada, el pelo está demasiado pegado la cabeza, recordando un poco la época anterior, pero en todo caso hay una individualización y una gran riqueza.

EL DIADUMENOS

Representa con las mismas características, aunque quizá no de una forma tan rígida, a un joven que está atándose la cinta de la victoria sobre la cabeza.
Para algunos representa a Apolo.
Igualmente tiene contraposto, los pliegues torácicos e inglinales muy marcados y los brazos hacia arriba.
La cabeza está girada y también inclinada hacia abajo y hay una mayor importancia del estudio del cabello, con rizos más gruesos que crean efectos de claroscuro.
Además, la cinta lisa realza el volumen del cabello, como ocurría con el auriga de Delfos.

OBRAS DEL ESCULTOR CRÉSILAS

RETRATO DE PERICLES

Se supone que era una escultura de cuerpo entero porque en esta época no se hacen bustos, pero no es seguro.
Estaba situada en la Acrópolis. Conservamos la copia romana.
Pericles lleva el casco corintio.
Hay notas que nos dicen que es un retrato, como los labios demasiado carnosos, la barba y el bigote, etc. La cabeza está inclinada y girada.

AMAZONAS DE ÉFESO

Esta Amazonas la realizó Crésilas para un concurso en el que también participaron Policleto y Fidias, a los que ganó.
Tiene una parte del pecho descubierto y un brazo hacia atrás.
Mantiene el contraposto y la cabeza girada.

NIÓBIDE HERIDO

Es del 430 a.C. y está realizada en mármol.
Pertenecía posiblemente a un frontón, pero no se sabe ni se conoce su autor.
Es una escultura femenina prácticamente desnuda.
Esta figura representa el momento en el que esta nióbide ha recibido una flecha en la espalda y está luchando por quitársela.
Es un cuerpo quizá algo varonil y esto es lo que hace relacionar esta escultura con Policleto, quizá fuera de su taller, aunque no de él.
El rostro ya refleja el sufrimiento, no sólo el físico sino también el moral.

LAS NEREIDAS DE XANTOS

También de finales del s.V, aproximadamente del 420 a.C. Son todas parecidas.
Las nereidas eran tres ninfas del mar que estaban huyendo de Peleo.
Están cubiertas de telas llevadas hacia atrás por el viento.

OBRAS DEL ESCULTOR KEPHISTODOS EL VIEJO

Probablemente fue el padre de Praxiteles.
Se conservan pocas obras, pero debió de ser un escultor muy importante en el cambio de siglo entre el V y el IV.
Destaca la escultura de EIRENE y PLOUTOS en la que aparece una figura femenina con un niño en brazos que se puede relacionar con el Hermes de Praxiteles.

OBRAS DEL ESCULTOR PRAXÍTELES

Praxíteles es uno de los más importantes, pero no se ha conservado casi nada original de él, sólo hay una escultura que se cree que es original y ni siquiera es seguro.
Nace y trabaja en Atenas entre el 400 y la mitad del s.IV. Trabaja el bronce y, sobretodo, el mármol.
Sigue la búsqueda del naturalismo, movimiento, belleza, etc.
Tiene un especial gusto por la belleza y las formas suaves y curvas.
También tiene una gran preocupación por la luz, se le considera el creador del sfumatto, ya que pasa de la luz a la sombra de manera muy suave.

HERMES

Está realizado en mármol y nos da todas características de Praxiteles.
Representa el momento en el que Hermes lleva a Dionisos niño al lugar donde le van a cuidar las ninfas.
En ese momento hacen un paro en el camino porque el niño tiene sed y por ello Hermes le ofrece un racimo de uvas.
La composición es cerrada por las miradas, que nos dan una relación entre las figuras, al igual que la postura.
La figura de Hermes forma con su cuerpo una curva y contracurva, la llamada curva praxiteliana, pero siempre de forma suave.
La tela marca el contraste con la lisura del cuerpo.
Hermes está en la misma postura que otra figura de otra obra de Praxiteles, el sátiro escanciador [H16, 133].

APOLO SAURÓCTONO

Hay distintas copias, tanto en bronce como mármol. Marca aún más la curva praxiteliana.
El cuerpo es más joven, pero tiene la misma preocupación anatómica.
El pelo es distinto, pero con el mismo estilo, creando volumen con rizos muy naturalistas que también crean un claroscuro suave.

SÁTIRO EN REPOSO

La curva está aún más pronunciada, casi de forma antinatural y violenta.

VENUS DE CNIDO O CNIDIA

Hay distintas copias.
Estando desnuda, no deja del todo el cuerpo al descubierto ya que representa el momento en el que Venus sale del baño y se cubre con un paño, pero en otras copias sí que aparece totalmente desnuda.
Aparecen tanto la curva praxiteliana como la luz suave en la cara.

VENUS DE ARLÉS

Probablemente no es suya, pero recoge una postura semejante a las anteriores en la forma de colocar los brazos y por la curva y el tratamiento de las luces.
La cabeza está más inclinada.
Probablemente llevaba en la mano izquierda una figurilla, lo más seguro es que fuera Eros, y en la derecha llevaría una ofrenda o un fruto.

OBRAS DEL ESCULTOR ESCOPAS

Escopas trabaja especialmente el mármol.
Era de Paros y se ha conservado muy poco de su obra, pese a ser muy trascendente.
En su escultura, Escopas se preocupa por los sentimientos internos y por las formas más patéticas.
Para ello deja la boca entreabierta y los ojos hundidos, de manera que se marca un claroscuro muy intenso.
También se preocupa por un movimiento violento, dando figuras muy agitadas.

LA MÉNADE

Representa el momento en el que la mujer está haciendo un ritual o una danza bebida, ya que las ménades o bacantes estaban relacionadas con Dionisos.
Por la postura se le descompone la vestimenta. Se marca una curva muy violenta, la figura se echa hacia atrás, especialmente la cabeza, que además está inclinada totalmente hacia un lado, dejando que la larga melena con rizos caiga por la espalda.

OBRAS DEL ESCULTOR LISIPO DE SICIÓN

Realiza obras importantes, es el escultor de Alejandro.
Preocupado por el retrato, es el primero que consigue captar rasgos infantiles, de viejos.
Trabaja el mármol y el bronce.

EL APOXIOMENOS

Recoge todas las características de Lisipo.
El mismo Lisipo decía que sus maestros son Policleto y la naturaleza.
Sin embargo, se ve una evolución desde Policleto: no es tan rígido en cuanto al canon o la geometrización de las formas, hay una mayor libertad.
Además, da una mayor altura a la escultura, seguramente una cabeza más, creando esculturas más esbeltas, aunque a veces da la sensación de que las cabezas son demasiado pequeñas.
Además, rompe el espacio creando un gran escorzo.
Recoge el momento en el que el atleta se quita la arena y el aceite con el estrígilo.
No hay curva praxiteliana, pero el pelo sí sigue la misma línea, más naturalista.
La cara es expresiva.

AGIAS

Muy similar, pero con mayor volumen en los músculos, los ojos hundidos y la boca abierta.

HÉRCULES FARNESIO

Es una obra totalmente distinta.
Es una figura fuerte, llena de musculatura, muy pesada.
Está descansando sobre una roca que se encuentra debajo de su axila, dejando un brazo al otro lado.
La anatomía está mucho más marcada.
Una de las piernas está adelantada respecto a la otra, y lo mismo ocurre con los brazos, así crea un espacio.
Además, el izquierdo y la pierna derecha están verticales y rectos mientras los otros están doblados, así nos da muchos puntos de vista.

PERIODO HELENÍSTICO
1. CARACTERÍSTICAS:

Acentuación de las formas, que nos lleva a un barroquismo que se deja ver en la manifestación de los sentimientos, mayor movimiento y gran variedad de actitudes.
Multiplicación de temas, el religioso cada vez se abandona más mientras abundan las representaciones de ancianos, niños, Venus y mitología.
Surgen escuelas y hay una expansión hacia Asia Menor y el área oriental del Mediterráneo. Las escuelas más importantes son la de Pérgamo, Rodas y Alejandría. Son obras realizadas en relación a una ciudad.
No siempre se conocen los autores y muchas obras se conservan por copias romanas.
Escopas y Lisipo influirán enormemente durante todo el helenismo.
Obras mas conocidas son: Apolo, Hermes con Dionisios en brazos, la Venus de Milo.

PRINCIPALES ESCULTURAS

VENUS PÚDICA O CAPITOLINA

Es así llamada porque tiene una actitud de recato, las piernas juntas.
Es una escultura de mármol.

VENUS DE MILO

La Venus de Milo es del s.II. a.C.
Es original y está realizada en mármol.
No se sabe quién es su autor, aunque algunas letras parecen darnos alguna pista, puede ser Agexandros o Alexandros.
Es muy bella, con una belleza serena.
Tiene múltiples puntos de vista.
Muestra un gran movimiento.
Faltan los brazos, que se supone que con uno se sujetaba la ropa y con el otro probablemente llevaba una fruta, seguramente una manzana.
Hay un gran interés en el tratamiento del cabello.

VENUS CALIPIGIA

Se desconoce su autor.
Es totalmente distinta a las anteriores.
Está medio vestida y se retira la túnica dejando al descubierto la parte de atrás complaciéndose con la visión de su propio cuerpo.
Hay movimiento, se retuerce pero no de forma violenta.
Las formas curvas del cuerpo contrastan con las rectas y verticales de la tela.

EL ESPINARIO

Es una copia romana.
Está en una postura impensable en época clásica que produce efectos de claroscuros muy interesantes.
La mirada está dirigida al punto de atención, está muy concentrado.
El tratamiento del pelo es algo arcaizante, demasiado pegado a la cabeza, sólo marca volumen en la especie de melena que forma al final.

EROS Y PSIQUIS

Están representados en el momento de darse un beso, el tema es profano.
La parte inferior es prácticamente frontal, mientras que en la parte superior ya están totalmente girados.
Hay una perfecta unidad del conjunto.

SÁTIRO DANZANTE

Pertenecía a un grupo, pero sólo se ha conservado éste.
Está haciendo música con los platillos y también con el pie.
La música da idea de alegría, que se puede observar en su rostro, que es muy expresivo.
Es muy detallista y tiene el pelo muy abultado.

EL PUGILISTA

Escultura en bronce Siglo IV- III a.C.
Firmado por Apollonios.
Se ha conservado el original, en bronce. Muestra a un luchador descansando al que algo le ha llamado la atención.
Es un personaje fuerte y musculoso.
La cabeza gira y está inclinada hacia arriba y el rostro está prestando atención.
Tiene los ojos ligeramente hundidos.

ALTAR DE ZEUS EN PÉRGAMOS

La escultura se encuentra en el friso corrido y está en altorrelieve.
El tema es el de la gigantomaquia, la lucha de los dioses contra los gigantes.
Mide algo más de 100 metros y hay figuras de hasta dos metros de altura.
Hay una gran riqueza de actitudes y posturas. Los dioses están agrupados de cierta manera: Atenea y Zeus en oriente, los dioses del día en el lado sur y en el lado norte los relacionados con la noche y la oscuridad.
A los dioses se les da un tratamiento clasicista, mientras que los gigantes se les trata de una manera más humana, por lo que se refleja la fealdad, etc.
Hay una influencia clara de Escopas ya que se deja ver claramente el pathos con los ojos hundidos y las bocas abiertas.
Estaba bastante deteriorado pero se reconstruyó.

ESCUELA DE RODAS

En la Escuela de Rodas se sabe de la existencia de Cares de Lindos, un gran escultor que hizo una escultura de un gran coloso que franqueaba el puerto de Rodas, los barcos pasaban entre sus piernas.
Parece que fue discípulo de Lisipo.
Otras obras de esta escuela son:

LAOCOONTE Y SUS HIJOS

Autores: Agesandros, Polidoros y Atenodoros.
Se encontró bastante deteriorada y fue restaurada en numerosas ocasiones.
Representa el castigo que se le dio a un sacerdote troyano por dudar del caballo de Troya, matando tanto a él como a sus hijos con serpientes marinas.
Capta el dolor físico pero, sobre todo, el dolor interno y moral al ver morir a sus hijos.
La composición es triangular, la anatomía está marcada por la tensión. Las extremidades están enfrentadas para formar composiciones en asta y hay un continuo estudio de entrantes y salientes.
Los ojos están hundidos y la boca entreabierta por influencia de Escopas. Actualmente se encuentra en el Vaticano.

EL TORO FARNESIO O EL CASTIGO DE DIRCE

Fue realizado por Apolonios y Tauriscos.
Actualmente se encuentra en el museo de Nápoles, pero antes era un monumento público y por ello tenía estructura piramidal.
Representa el momento en el que los hijos de Antíope deciden castigar a Dirce, que había tratado cruelmente a su madre, arrastrándola con un toro hasta morir.

CERÁMICA
1. MANIFESTACIONES

La cerámica fue una de las manifestaciones artísticas más populares. Posee un valor especial por su abundancia, su valor artístico y la información que proporciona. Al igual que en la escultura del arte griego, los primeros motivos fueron geométricos, para derivar en escenas realistas sobre la vida cotidiana, escenas religiosas, distracciones, el trabajo y la guerra. En Atenas se desarrolló una cerámica negra sobre fondo rojo y luego roja sobre fondo negro.
La cerámica tuvo entre los griegos gran importancia. Fue muy rica y variada en sus formas y perfecta en sus acabados. Se caracterizo especialmente por la estilización y la expresión de las figuras.
Durante el periodo arcaico se mostraba cerámica de figuras en negras sobre fondo rojo. En el periodo clásico predominan las figuras rojas sobre fondo negro brillante.
En el periodo helenístico aparecen las cerámicas con esmalte azul, amarillo o blanco con figuras de tendencia naturalista.

PRINCIPALES TIPOS DE VASOS GRIEGOS:

El ánfora: para contener aceite, vino, etc.
La crátera: para hacer mezclas de líquidos.
La urna: vaso destinado a guardar las cenizas.
La hidra: para contener el agua.
El lekitos: para conservar ungüentos olorosos.
El alabastro: para guardar perfumes y resinas.
El cántaro: para beber.
El cáliz: copa especial para los banquetes.

TIPOS DE CERÁMICA
1. ESTILO GEOMÉTRICO

Corresponde aproximadamente a la etapa Arcaica de la escultura y se caracteriza por unos recipientes muy grandes decorados con bandas paralelas de elementos geométricos, así como figuras humanas muy esquematizadas

CERÁMICA DE FIGURAS NEGRAS

Como indica su nombre, se caracteriza por recipientes en cuyo fondo (platos, fuentes) o paredes (jarras, ánforas) se pintan figuras de color negro sobre fondo rojizo de arcilla. Los temas pueden ser muy variados, dependiendo del uso del recipiente.

CERÁMICA DE FIGURAS ROJAS

Al contrario de la anterior, presenta imágenes mitológicas, eróticas o de la vida cotidiana en color rojizo sobre fondo de color negro.

PINTURA

Las únicas pinturas murales conservadas se encuentran en Paestum, sur de Nápoles y fueron descubiertas recientemente. Una de ellas es "El nadador" En un paisaje solitario, sobre cielos abiertos con líneas sencillas y pocos elementos el personaje está captado en el preciso momento en que va a sumergirse, simbolizando el pasaje hacia el más allá.
Destacan Polignoto, Zauxis, Parracio, el más moderno, Apeles, pintor de Alejandro Magno.
Las pinturas murales se han perdido.

Pintura mural de Pompeya donde se cree que se representa la Venus Anadiómena del pintor Apeles

EL ARTE ROMANO

UBICACIÓN GEOGRÁFICA

La ciudad de Roma se ubica junto al río Tiber, que se halla en la península Itálica, entre las penínsulas Ibérica y Balcánica. Su territorio se divide en: Italia Continental, Insular y Peninsular. Para explicar el origen de esta cultura se apela la Leyenda de Rómulo y Remo, pero, se considera el año 753 a.C. como fecha en que se fundó Roma.
Al principio estuvo dominada por una monarquía etrusca. En el 509 se estableció la República y el 27 a.C., el Imperio.
Su máxima expansión se produjo durante la República, en el siglo III se había terminado la conquista de Italia y a fines del siglo I a.C. toda la rivera mediterránea, era romana. Los principales enemigos de Roma fueron los cartagneses, que fueron derrotados después de tres guerras.
Roma organizó su dominio mediante un cuerpo de magistrados que dependían directamente de la metrópoli. Impuso el latín como lengua común y un mismo Derecho. Su cultura estuvo influenciada por la griega.

HISTORIA

INTRODUCCIÓN HISTÓRICA

Herederos de la tradición griega y etrusca, constituyó un estado cuya presencia impregnó todas sus manifestaciones artísticas.
Pueblo militarista y pragmático.
Su vocación universalista estuvo en el deseo de dominación política y económica.

ETAPAS
1. ANTECEDENTES ETRUSCOS (S. VIII A.C. - 509 A.C.).

Roma fue fundada en 753 a.C. por los etruscos.
Tuvo influencia etrusca, tanto lo político como lo cultural y artístico.
Una vez que los romanos expulsaron a los etruscos y sus reyes la ciudad se organizó como una “República” gobernada por un “Senado”.
La guerra inició un proceso de expansión territorial que pronto convertiría a Roma en el principal estado de la península italiana.

LA ROMA REPUBLICANA (509-27 A.C.)

Comenzó como una pequeña ciudad del Lacio y acabó como un gran estado que controlaba todo el Mediterráneo..
Las conquistas territoriales impulsaron la creación de un imperio territorial que abarcó toda la península italiana y parte de la cuenca mediterránea.
Pero la expansión territorial no eliminó las crisis sociales ni las guerras civiles en el interior de Roma sino que trajo consigo el afán de poder de las élites romanas y la propia dinámica militarista y expansionista.
Se dio la proclamación del Imperio como nueva forma de constitución política, eliminando las viejas instituciones republicanas.

El IMPERIO (27 a.C. - 476)

El poder político y militar se concentra en una persona, el Emperador.
Los emperadores impulsaron la conquista de oriente y consolidaron las fronteras políticas del imperio, que internamente fue dividido en provincias.
El Estado romano sintió entonces la necesidad de manifestar su propia grandeza mediante obras al mismo tiempo útiles y colosales.
Se recurrió de modo creciente a los elementos constructivos de las civilizaciones orientales como la bóveda.
La arquitectura imperial romana se interesó vivamente por el espacio interior, donde se lleva a cabo la actividad humana, esto los distanció del carácter plástico de la arquitectura griega.
En la escultura, el culto a los antepasados, impulsó la individualidad del retrato.
La escultura sirvió, para “narrar” la grandeza militar del Estado romano, a través del relieve en arcos, columnas, etc.
La grandeza militar y artística del mundo romano alcanzó su cenit en el llamado “Alto Imperio” (s. I-III)

CRISIS DEL BAJO IMPERIO (s. III - IV)

Emperadores trataron de mantener el prestigio mediante la construcción de edificios colosales pero estos apenas escondían la realidad de una civilización en decadencia.
El Imperio se dividió en dos, de Occidente con capital en Roma, y de Oriente, con capital en Constantinopla (Estambul)
El agotamiento interno y la presión exterior de los pueblos bárbaros determinaron la agonía de un imperio que aún tardaría dos siglos en desaparecer formalmente.
La escultura perdió el interés por la realidad y evolucionó hacia un mayor conceptualismo y simbolismo.
El cristianismo encontró en ella las formas adecuadas para desarrollar su propia temática y halló en la basílica romana, el prototipo arquitectónico idóneo para sus iglesias.

ARTES MAYORES

ARQUITECTURA
1. ELEMENTOS DE LA ARQUITECTURA ROMANA

Arco: utilizado en puentes y acueductos, también fue muy usado en las puertas y ventanas de los edificios. Utiliza el arco de medio punto.
Bóveda: los grandes espacios abovedados fueron una creación arquitectónica romana. Usaron la bóveda de medio cañón, la bóveda de arista y la cúpula.
Hormigón: para la construcción de estas formas abovedadas, los arquitectos romanos utilizaron hormigón. Este material una vez seco, se convertía en algo tan duro como la piedra. El aspecto poco noble del material se oculta al ser revestido con mármol, mosaicos, pinturas al fresco etc.
Utiliza los órdenes griegos y además el toscano que sustituye al dórico (fuste liso y más esbelto que el griego, sobre basa, con capiteles variantes del dórico), y surge el orden compuesto que es una combinación de los capiteles corintio y jónico.

CARACTERÍSTICAS

Es monumental, no solo por el espacio sino también por su significado. Viene dado por la idea de inmortalidad del Imperio.
Son sólidas, usado para servicio ciudadano.
Es utilitaria, práctica y funcional.
Es dinámica, por el uso de el arco y la bóveda.
Usa materiales variados como la piedra, hormigón, ladrillo, mampuesto, madera.
Se usa el órden toscano, jónico y corintio. O sino el uso del órden compuesto.
Empleó la superposición en el arco, bóveda y la cúpula.
Usaron columnas griegas, enriqueciendolas y ampliándolas.
Inventaron dos nuevas columnas: toscano y compuesto (mezcla de estilo jónico y corintio ).

TEMPLOS

Los templos romanos se basan en los griegos pero con modificaciones:
- Planta rectangular, tetrástilo, pseudoperíptero (columnas adosadas a los muros laterales de la cella)
- Sobre podium, y acceso por escalinata única que pone énfasis en la fachada principal.
- Suelen tener dos o tres intercolumnios de profundidad.
- Solo hay pórtico en la entrada.
Posee pórticos de columnas griegas, escaleras en la fachada principal, arcos y bóveda con planta circular.
Templo de la Fortuna Viril o de Portunus. Templo Maison Carrge. Templo de Vesta. Templo de Venus y Roma. El Panteón. El Ara Pacis de Augusto.

TEATROS

Poseen influencia del teatro griego pero en lugar de excavarlos en la ladera de un monte, los edifican: es por tanto un edificio exento.
Al ser exento, aprovechan el espacio de debajo de las gradas para construir galerías y vomitorios que permiten un rápido desalojo.
Consta de varias partes:
- Cávea o gradería semicircular: Descansa sobre un sistema escalonado de corredores abovedados concéntricos que comunican las distintas zonas. Estas galerías permitían desalojar rápidamente el teatro.
- La orchestra: Es semicircular dejando más espacio para la escena;
- El proskenio: al fondo es una fachada escaparate generalmente formada por tres cuerpos adintelados.
Teatro de Pompeyo, Teatro de Marcelo, Teatro de Mérida.

TEATRO

MÉRIDA

La cávea, en parte, está levantada sobre una colina.
Albergaría hasta 5.000 espectadores.
Se divide en 6 sectores radiales por 6 escaleras de acceso.
Tres gradas de preferencia están casi integradas en la orchestra.
La parte construida, a nivel de calle, tiene 13 puertas de acceso tanto a las gradas como a pasillos abovedados y escaleras interiores para la evacuación rápida en minutos.
La escena es una estructura porticada de orden corintio a dos niveles.
Al estructurarse en entrantes y salientes aumenta la espectacularidad.
Albergaba estatuas de dioses y de emperadores
El mármol utilizado es de colores (azul y blanco).

ANFITEATROS

Es un edificio para espectáculos de juegos.
Esta formado por la unión de dos teatros enfrentados.
La planta es elíptica u oval.
Bajo la arena se abren numerosos corredores y dependencias para el servicio del anfiteatro.
Los accesos se efectúan por un organizado sistema de Túneles.
El más importante el Coliseo de Roma: iniciado por Vespasiano en el 77 d. C.

COLISEO

ROMA

Presenta planta oval y una capacidad para 50.000 espectadores.
Los materiales utilizados son: hormigón, ladrillo y piedra caliza.
La fachada exterior: grandes arcadas superpuestas formando pisos y utilizando los tres órdenes arquitectónicos en altura. Cada piso abre galerías en arcos de medio punto con semicolumnas adosadas en los espacios intermedios (dórico en el primer piso, jónico en el segundo y corintio en el tercero). Finalmente se añadió un piso más para aumentar la capacidad, con pilastras adosadas al muro que en este caso no tiene arcadas. Sobre este cuarto piso se colocaban mástiles para poder instalar toldos y así dar sombra a los espectadores. Para dar un mayor realce todo el exterior se recubría con planchas de mármol.
Fachada interior: la cávea o gradería se dispone en tres pisos comunicados por corredores abovedados. Debajo de la arena hay toda una infraestructura de subterráneos donde se guardaban las jaulas de las fieras y las armas de los gladiadores; enfermerías y depósitos de cadáveres etc. El piso de la arena situado encima de los subterráneos era de madera y por medio de máquinas se elevaban a la escena las fieras.

CIRCOS

Edificio donde se celebraban las carreras de carros y caballos.
Es una adaptación del estadio griego.
Planta de forma elíptica (de U) en cuyo centro se levantaba la espina.
Alrededor de la espina se extiende la pista.
La espina se decora con estatuas y monumentos.
En las carreras se comía, se apostaba y se realizaba todo tipo de espectáculos complementarios.
Tienen planta regular con graderías y arena.
Circo Máximo de Roma.

TERMAS

Baños públicos con lugares diferentes para agua fría, templada y caliente.
Tienen una función social, ya que eran centros de reunión y de tertulia con bibliotecas, salas de juego, gimnasio etc.
Consta de:
- Frigidarium (piscinas de agua fría).
- Tepidarium que son estancias para relajarse.
- Caldarium (piscinas de agua caliente).
Baños de Caracalla.

TERMAS

CARACALLA

Para cubrir espacios tan amplios utilizan bóvedas y para allegar agua caliente y el calor a la piscina del caldarium sistemas de calefacción por aire caliente.
Además de las de Caracalla hubo otras en Roma (Tito, Trajano, Diocleciano…) y en las ciudades de provincias por pequeñas que fuesen.
El termalismo decayó con el cristianismo y durante la Edad Media salvo en el mundo musulmán que creó un estilo propio a partir del romano.
En el siglo XX se recuperó la idea romana y así llega a nuestros días: las piscinas cubiertas, las saunas…

ARCOS DE TRIUNFO

El arco de triunfo es un espacio ideal para ilustrar a través del relieve conmemorativo las campañas militares.
Los hay de un solo arco pero también de tres e incluso más.
Sobre ellos se sitúa los relieves conmemorativos que narran las victorias militares.
Un ejemplo es el “Arco de Tito”.

ARCO

TITO

Se trata de un monumento conmemorativo de la victoria de Tito sobre los judíos, sublevados contra Roma y, tras ser vencidos, la destrucción del templo, la desaparición del arca de la alianza y la “diáspora” judía.
El material es piedra, en sillares, y mármol. Tiene unos 15 metros de altura.
Los relieves hacen alusión a la guerra, narrando en un estilo sobrio las operaciones bélicas desde el lado del vencedor, pero con intrusiones de la divinidad para resaltar el triunfo de Tito.
El propio arco es un prodigio de sobriedad y proporción.Se halla en la Via Sacra, a la entrada del Foro.
Sobre un podio o zócalo, se encuentra el cuerpo, formado por una bóveda de cañón asentada sobre dos pilares decorados con dos pares de columnas adosadas de capitel compuesto y ventanas ciegas en medio. Tiene un único vano.
Sobre el cuerpo y aparentemente sobre las columnas, está el entablamento, formado por un arquitrabe a tres bandas, un friso que representa el desfile triunfal de las legiones romanas en Jerusalén y una cornisa que soporta el ático se encuentra el ático.
El ático tiene una inscripción alusiva a Tito y sus antecesores.

ACUEDUCTOS

Servían para trasladar agua a otras ciudades.

ACUEDUCTO

SEGOVIA

ESCULTURA
1. CARACTERÍSTICAS

Tuvo una doble influencia:
- Etrusca
  - Influyó el retrato funerario y en el realismo.
  - Realización de esculturas en bronce de animales.
- Griega
  - Saquearon obras griegas y se llevaron a los escultores griegos helenos a Roma.
  - Gusto por la alegoría y los temas mitológicos y el retrato.
Se manifiesta en el relieve histórico y mitológico que decora los arcos de triunfo, las columnas en piedra que relatan los hechos heroicos, y el retrato “post morten”, vieja costumbre etrusca que cuando alguien moría, hacía una máscara de cera de su rostro, molde futuro para su retrato, que se guardaba y despues, se sacaba en los entierros de los familiares,
Hay esculturas sedentes de bulto completo, como la de Agripina y ecuestres como la de Marco Aurelio.
Tuvo un marcado realismo y una técnica muy desarrollada de sus relieves.
Subordinación de la escultura a la agricultura con nuevos soportes como arcos de triunfo, columnas conmemoraticas y el sarcófago.
Los materiales y técnicas fueron bronce, piedra, trabajando con técnicas ya conocidas de la cera perdida y la talla.
El tema principal fue el hombre, bajo idealización de carácter realista, además de representaciones de animales fantásticos.

EL RETRATO

Podía ser de cuerpo entero o solo busto, sedente o de pie, vestido de toga o con coraza y atributos militares.
Al comienzo solo eran bustos, recogían la cabeza y parte del cuello, pero luego incluyeron hombros y pecho.
Además, también hubieron esculturas de cuerpo entero, mayormente las sedentes eran esculuras representadas por mujeres.
Tienen su origen en las mascarillas de difuntos hechos en cera o yeso tomadas directamente del difunto.

TIPOS DE RETRATO

RETRATO TOGATOS.

Se esculpe al emperador con toga y manto sobre la cabeza. Le representa como pontífice máximo.

RETRATO TOGATO DE AUGUSTO

31 a.C.- 14 a.C.

RETRATO TORACATOS

Representa al emperador como cónsul o militar, por lo que aparece con coraza.

EMPERADOR OCTAVIO AUGUSTO.

PRIMER EMPERADOR ROMANO

63 a.C. – 14 d.C.

ÉPOCA IMPERIAL

RETRATO APOTEÓSICO

Representa al emperador como una persona heroizada o divinizada. Aparece con la parte superior del cuerpo desnudo, corona de laurel y algún atributo de un dios. Es la representación más rica, aunque no la más frecuente.

EMPERADOR CLAUDIO. 10 a.C.- 54 d.C.

MUSEO VATICANO DE ROMA.

ÉPOCA IMPERIAL

RETRATO ROMANO DURANTE LA REPÚBLICA

En los retratos de época republicana la escultura romana es de gran realismo, con los rasgos faciales muy acentuados, la escultura consiste en un busto corto, que sólo representa cabeza y cuello..
La escultura consiste en un busto corto, que sólo representa cabeza y cuello.
Los hombres llevan el pelo corto.

RETRATO DE

JUNIO LUCIO BRUTO.

FUNDADOR DE LA

REPÚBLICA ROMANA.

RETRATOS DE CATÓN Y PORCIA

Es un retrato doble.
Pese a ser de la época de la República, el busto es largo.
La mujer está más idealizada, es más joven y está peinada con raya en el medio, cayendo el pelo sin ondas a los lados.
Reflejan la idea de ser un matrimonio por la actitud de sus manos.

RETRATO DE POMPEYO

El cabello comienza a abultarse, pero sin grandes rizos.
El conservado probablemente no es el original, sino la copia de un retrato anterior.
A través de su rostro se trasluce su carácter.
Es un rostro menos cadavérico, con los rasgos más redondeados.

RETRATO ROMANO EN LA ÉPOCA IMPERIAL

S I a.C.
Fascinación por Atenas.
Mayor idealización propia del helenismo.
Imitar época griega clásica.

RETRATO DE CALÍGULA:

Calígula fue emperador romano en los años 37 d.C-41 d.C.
Su verdadero nombre fue Cayo Julio César Augusto Germánico.
El busto de Calígula se encuentra en el Museo del Louvre, París.

RETRATO DE CALÍGULA

CAYO JULIO CÉSAR AUGUSTO GERMÁNICO

EMPERADOR ROMANO 37 d.C – 41 d.C.

RETRATOS ROMANOS EN EL SIGLO II Y III

La escultura romana de este periodo tiende a un progresivo barroquismo.
El pelo se esculpe más largo y separado de la cabeza, con rizos muy abultados, barba. Todo ello hace expresar un gran movimiento.
Es en este momento, desde Adriano, cuando se empiezan a tallar los ojos.
En algunas figuras, como Antinoo, se ve un idealismo que recuerda al mundo griego. Faustina aparece peinada con raya al medio en el que el pelo cae formando ondas muy suaves y se recoge en la nuca o sobre la cabeza formando un moño.

RETRATO DE ADRIANO

Es obra del siglo II. Los ojos están tallados y no policromados, lleva barba y el pelo está muy marcado, muy separado de la cabeza, largo y trabajado con el trépano con mucha delicadeza. En el busto lleva una medusa.

RETRATO DE ADRIANO (S. II)

OJOS TALLADOS Y NO POLICROMADOS

BARBA Y CABELLO MARCADO

RETRATO DE MARCO AURELIO

Obra también del siglo II, pero algo posterior. Cumple las mismas características, con la barba larga, el pelo muy abultado y los ojos tallados. La tela también tiene importancia.

RETRATO DE MARCO AURELIO

EMPERADOR DE ROMA 161 -180 d.C.

RETRATO DE CARACALLA

Es un retrato del siglo III.
Caracalla fue un emperador de carácter violento, fuerte y altanero; caracteres que quedan reflejados en su escultura.
La cabeza está totalmente girada.

RETRATO DE CARACALLA

MARCO AURELIO ANTONINO BASIANO

EMPERADOR DE ROMA 211 d. C. -217 d.C.

RETRATO ROMANO EN EL SIGLO IV

En este periodo avanzado del arte romano, los retratos se deshumanizan.
Se pierde la preocupación por hacer retratos que se acerquen al hombre.
Se tiende a una esquematización que aleja al emperador de la sociedad. Por tanto, su escultura se puede considerar "anti-clásica".
Las facciones son desproporcionadas y con una talla muy dura.
Tal evolución se aprecia perfectamente en las representaciones de Constantino, que es el emperador más representado.
Este retrato tardorromano anticipa la escultura bizantina.

RETRATO DE CONSTANTINO

Se trata de la cabeza de una escultura de cuerpo entero que se conserva fragmentada y que tenía grandes dimensiones. Constantino aparece imberbe y tiene el pelo pegado a la cabeza, los mechones son meras líneas. Los ojos son grandes, desorbitados y desproporcionados.

RETRATO DE CONSTANTINO EL GRANDE

FLAVIUS VALERIUS AURELIUS CONSTATINUS

EMPERADOR DE ROMA 306 d.C- 312 d.C.

PINTURA
1. CARACTERÍSTICAS

Los orígenes de la pintura romana se confunden con los de su escultura y de tal modo se hallan en el arte helenista que aun los ejemplares que de ella se conservan, sobre todo, los mejores, se atribuyen hoy a mano griega si bien la escuela llegara por fin a romanizarse.
Los romanos admiraban la pintura griega tanto como la escultura.
Es de inspiración griega.
Se han conservado en Pompeya y Herculano pinturas al fresco que cubren las paredes de los edificios públicos o casas lujosas.
Son de estilo impresionista por los grandes efectos conseguidos en la luz y el color.
El mosaico se encuentra en íntima relación con la pintura, muy difundico en Roma, constituido por pequeños cuadraditos o teselas de cerámica vidriada muy coloridas.
El mosaico de Alejandro en la batalla de Issos.

ESTILO DE INCRUSTACIÓN

Este estilo de pintura romana se desarrolla desde mediados del s.II a.C. hasta principios del s.I a.C., todavía en época republicana.
Es así llamado porque imita la decoración de mármoles que se aplicaban en época helenística.
Es un estilo muy colorista, de aspecto muy suntuoso.
El muro suele estar dividido en tres:

Un zócalo pintado imitando granito.
Una zona media imitando mármol.
Un remate a modo de cornisa.

ESTILO ARQUITECTÓNICO

Se desarrolla durante el s.I a.C, en la época de César.
Es llamado estilo arquitectónico porque imita no sólo revestimientos sino también arquitecturas.
También es llamado "Estilo de perspectiva arquitectónica" porque busca profundidad y perspectiva.
Esto hace que las estancias parezcan más grandes.
Se dan frecuentemente las ventanas, tras las que se puede ver edificios, y resulta más teatral, además, aparece el paisaje.
En definitiva se trata de una pintura romana que tiende a la disolución del muro.
Es un estilo ya de plena creación romana.

ESTILO MIXTO U ORNAMENTAL

Se dio entre el 27 a.C. hasta la mitad del s.I d.C, es decir, durante la época de Augusto y sus sucesores.
Es un estilo mixto porque en cierta manera es una mezcla de los dos anteriores.
Es un estilo menos real y más fantástico.
Se caracteriza por la representación de elementos ornamentales muy ligeros, apareciendo también edificios fantásticos, frisos con niños, elementos vegetales muy estilizados, figuritas de animales, de humanos también pero más pequeñas y delicadas, y pequeñas escenas mitológicas.
Los colores son muy intensos.
Se dio más en Roma que en Pompeya y destacan las de la Domus Aúrea de Nerón.

ESTILO ILUSIONISTA O ESCENOGRÁFICO

Se trata de la pintura que se manifiesta desde la época de Nerón, en la primera mitad del siglo I, hasta el final de este siglo.
Toma elementos del segundo y tercer estilo.
Es el estilo más confuso.
En él aparecen también escenas mitológicas, históricas, tiene un gran recargamiento decorativo, aparecen cortinajes y telones y cobra mucho desarrollo el paisaje.
También aparece en la Domus Aúrea de Nerón y en la casa de los Vetii en Pompeya.
También hay frescos llamados por Vitrubio "Megalográficos", que se dan en el s.I a.C. y parte del I d.C.
Representan personajes de tamaño natural que componen escenas.
Pueden aparecer aquitecturas para dar un mayor realismo.
No hay muchos, pero sí de una gran calidad.
Destaca "La villa de los misterios", en Pompeya, de época de Augusto.

ALGUNOS EJEMPLOS DE PINTURAS

MOSAICO
1. CARACTERÍSTICAS

La palabra mosaico proviene etimológicamente de la palabra griega "musa".
Se ha llegado a decir que tal nombre era debido a que en el mundo clásico, se consideraba un arte tan magnífico que debía estar inspirado por las musas.
Los mosaicos tienen un origen muy antiguo.
Se han hallado mosaicos en Creta, Mesopotamia, y por supuesto en Grecia, Roma y el Imperio Bizantino.
se aplican los mosaicos a la arquitectura religiosa mientras que en el mundo romano se aplicaba a la arquitectura doméstica.
Un mosaico en su origen es una obra compuesta de piedrecillas, terracota o vidrios de varios colores. También puede estar hecha de madera. Por extensión se llama mosaico a cualquier obra realizada con fracciones diversas.
Los mosaicos romanos se basan en los tapices y especialmente en la pintura.
Tiene la ventaja con relación a la pintura de su gran durabilidad.

TIPOS

OPUS VERMICULATUM

Piedras muy pequeñitas.
Con ellas el artista podía dibujar con bastante precisión los objetos y las líneas.

OPUS MUSIVUM

Mosaicos que se hacían para los muros.

OPUS SECTILE

Se usan piedras más grandes y de diferentes tamaños.
Se recortaban placas de mármol de diversos colores para componer las figuras.

OPUS SIGNINUM

Signia.
Se obtenía con los desechos un polvo coloreado que al mezclarlo con la cal daba un cemento rojizo muy duro e impermeable.
Este producto se empleó bastante en toda Italia y en Occidente para crear los suelos y como revestimiento de piscinas (estanques para peces), cubas de salazón, aljibes, etc.

TÉCNICA

Para hacer las teselas de mármol o de piedra de color, se cortaba el material en finas láminas, luego en tiras y después en cubos. Para obtener las teselas de vidrio fundido (que podía teñirse añadiéndole diferentes óxidos de metal) se vertía éste encima de una superficie lisa para que se enfriara y se endureciera.
Después, con una herramienta afilada, la lámina de vidrio coloreado era cortada en tiras y luego en cubos. Las teselas de oro y plata se obtenían colocando pan de oro o plata encima de una lámina de vidrio de tono pálido. La superficie se cubría con un frit (capa fina de vidrio empolvado) y se calentaba en un horno para sellar el oro y la plata entre las capas de vidrio. A continuación se dividía la lámina en cubos.
También había que preparar concienzudamente la superficie allanándolo con varias capas superpuestas para que estuviese bien liso, puesto que cualquier irregularidad podía llevar a la fractura de algunas teselas y esto conducir a la degradación de toda la obra.

ALGUNOS EJEMPLOS DE MOSAICOS

ARTES MENORES

METALISTERÍA ROMANA

Debido a que las clases nobles y ricas, quisieron poseer suntuosas vajillas de plata como elemento de distinción, se realizaron gran cantidad de vasijas, copas y platos en este material.
Su decoración suele estar relacionada con las cultas conversaciones que poseían sus propietarios durante la cena, aunque también encontramos el interés por la ornamentación vegetal, como guirnaldas y hojas de acanto.
El tema más frecuente para las copas era el del dios del vino, Baco.
Otro vaso de este tesoro lleva una curiosa decoración de esqueletos tocando instrumentos musicales.
El orfebre escribió en griego la identificación de los personajes.
Sin embargo, el material más utilizado para la vajilla y los elementos utilitarios fue el bronce.
Destacan los pequeños muebles en bronce, repujados o fundidos, y en concreto, un precioso brasero romano que procede del Templo de Isis en Pompeya y que es sostenido por cuatro apoyos que representan los pies de un león.
Este material también se empleó en la mayoría de las piezas de las armaduras que los soldados portaban en los desfiles, como son los cascos, las vainas de espadas, los cinturones.

INSTRUMENTOS MUSICALES


Lituus	Silbatos


Cornus	Tuba

PIEDRAS PRECIOSAS GRABADAS

Las gemas se obtenían de una amplia variedad de piedras: la sarda, la cornalina, el ónice, la amatista, el granate o el zafiro. Algunas de ellas se importaban de regiones lejanas como la India.
El término camafeo se refiere a la figura tallada en relieve en una piedra preciosa. Nos han llegado numerosos ejemplos, como es el gran camafeo atribuido a Dioscórides. La escena se divide en tres partes. En la superior, se sitúan los gloriosos antepasados, entre los que está Augusto, que se complacen del triunfo de sus herederos, Tiberio y Livia. La parte inferior, simboliza el mundo de los vencidos.
Gran cantidad de gemas se tallaron para los anillos de sello. Los romanos concedían al sello gran importancia, podía ser visto como atributo personal, como insignia o distintivo social de las órdenes de los caballeros y senadores y como signo de autoridad.
En algunas ocasiones, también se vaciaban grandes nódulos de piedras preciosas con el fin de servir de vasijas para beber y se tallaban a camafeo.
Debido a la gran consideración que los romanos tuvieron siempre del retrato, encontramos retratos en gemas de los gobernantes y de sus familias, así como pequeñas figurillas independientes.

LA JOYERÍA

Los ornamentos personales se caracterizan por el esplendor de las joyas, que se lucían en grandes cantidades en collares, brazaletes, broches y cinturones con hermosas hebillas

LA CERÁMICA

Casi toda la cerámica romana esté hecha a torno, aunque algunas piezas, se hacían colocando arcilla en moldes.
En su mayor parte, la cerámica romana tuvo carácter utilitario.

CONCLUSIONES

GLOSARIO

AMAZONOMAQUIA: La amazonomaquia, literalmente «el combate de las amazonas», es un tema iconográfico frecuente en la antigüedad griega y romana, que se encuentra representado tanto en vasos cerámicos como bajorrelieves de monumentos o de sarcófagos.
CIVILIZACIÓN: Utilizando el término en un sentido restringido, es una sociedad compleja.
COLUMNATAS: En la arquitectura clásica, una columnata es una larga secuencia de columnas unidas por el arquitrabe, que a menudo constituyen un elemento autónomo.
NATURALISMO: El naturalismo es un estilo artístico, sobre todo literario, basado en una objetividad sexual y documental en todos sus aspectos, tanto en los más sublimes como los más vulgares.
ORNAMENTO: Un ornamento es un elemento o composición que sirve para embellecer personas o cosas.
TORNO: Se denomina torno (del latín tornus, y este del griego τόρνος, giro, vuelta) a un conjunto de máquinas herramienta que permiten mecanizar piezas de forma geométrica de revolución.

BIBLIOGRAFÍA

Página 84

Buscar este blog

Historia del arte

Arte Griego

Comentarios

Publicar un comentario